Sobre el modernismo catalán

El movimiento artístico llamado “modernismo catalán” es un movimiento nuevo y joven de gran relevancia que revolucionó y transformó la sociedad catalana de finales del siglo XIX y principios del XX (entre los años 1880-1885 hasta 1911 aproximadamente según el reconocido crítico catalán Alexandre Cirici Pellicer)[1] y que tuvo un fuerte desarrollo especialmente en Barcelona. A pesar de la fecha señalada por Alexandre Cirici, el fenomeno del modernismo con algunas manifestaciones tardías ha sido presente en Cataluña hasta los años 30 del siglo XX.

El modernismo catalán pertenecía a la corriente general del Modernismo Europeo, que en Inglaterra se llamó Modern Style, Art Nouveau en Bélgica y en Francia, Jungendstil en Alemania; Sezession en Austria; Liberty en Italia[2].

Hablando sobre el modernismo en España la historiadora rusa Tatiana Kaptereva escribe:”El centro del modernismo ha sido Barcelona, los monumentos de la cual son el orgullo de los catalanes”[3]. Con estas palabras quiere marcar la importancia que tuvo este movimiento en la capital de Cataluña, donde abarcó toda una amplitud de diferentes campos del arte y de la vida cultural: la arquitectura, la escultura, pintura, orfebrería, la literatura, música y hasta la forma de pensar y de vivir. Respecto a los períodos anteriores al modernismo Barcelona había incrementado los contactos artísticos y culturales con grandes capitales europeas como París, Londres, entre otras. La ciudad estaba abierta a las nuevas tendencias culturales que provenían de Europa y preparada para los cambios.

Gracias al comercio y la industrialización en la región de Cataluña se generó un bienestar económico que se reflejó en la expansión de la ciudad y en la primera Exposición Universal en España realizada en el año 1888, que logró situar a Barcelona entre las más importantes ciudades de Europa.

Hasta el año 1859 Barcelona era todavía una ciudad amurallada y este hecho impedía la modernización y el desarrollo de la ciudad. El derribo de las murallas entre 1854 y el 1859, como escribe el historiador Jaume Sobrequés i Callicó, ha sido el evento más transcendental para su futuro urbano[4]. La ciudad necesitaba un nuevo plano urbanístico y Ildefons Cerdà (1815-1876) se lo iba a proporcionar[5]. En 1859 fue aprobado su proyecto llamado “El Plan Cerdà”, “una autentica revolución urbanística”[6] de la ciudad de Barcelona. La planificación consistía en una inmensa red de calles rectas e interseccionadas, que se extendían al noroeste de la antigua Barcelona. Esta gran red de calles perpendiculares y paralelas  tuvo el nombre “El Eixample”. El ordenado, claro y racional sistema de dividir el territorio en estrictamente organizadas manzanas con el fin de crear una ciudad espaciosa y moderna ha sido un gran éxito. Las avanzadas ideas de Ildefons Cerdà estaban muy por delante de su tiempo, pero no eran valoradas merecidamente por sus contemporáneos. Durante muchos años su proyecto no fue demasiado popular.

Sin enmbargo, despues del derribo de la muralla y gracias a las modificaciones de la ciudad por Ildefons Cerdà cambió la imagen de Barcelona, que se transformó en una ciudad industrial y comercial y en un centro cultural, en el que floreció el estilo modernista, que dió una singular belleza a nuevos barrios, a l´Eixample, llamado también cómo “El Quadrat d´Or”[7]. Debido a la perspectiva, que transmitió a las calles el nuevo proyecto, la arquitectura se veía con un esplendor inédito. Así aparecieron principales edificios modernistas entre los cuales podemos destacar los edificios ubicados  en uno de los sectores del Eixample que obtuvo el nombre la “manzana de la discordia”, ya que revela la diversidad y la variedad de técnicas y formas de los edificios  modernistas aqui ubicados. Son tres casas modernistas, construidas por los arquitectos más famosos de aquél tiempo: Casa Amatller de Josep Puig i Cadafalch (Mataró, 1867 – Barcelona, 1956), Casa Lleó Morera de Lluís Domenech i Montaner (Barcelona, 1850 - Barcelona, 1923) y Casa Batlló de Antonio Gaudí (Reus, 1852 – Barcelona, 1926).

El “modernismo catalán” se refleja en toda la ciudad de Barcelona y no solamente está representado en las casas burguesas y los edificios públicos, sino que también en toda la ciudad, en los lugares como farmacias, retaurantes, pastelerias, la mayoría de las cuales se conservaron hasta hoy día. Aquí es importante señalar que no toda manifestación artística de aquella época se ajustaba a los canones del Modernismo, pero sí es cierto, que en Barcelona del período modernista el arte alcanzó un gran auge.

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[1] CIRICI PILLICER, Alexandre “1900 en Barcelona: Modernismo”,1991, pag.11.

[2] Íbid.

[3] KAPTEREVA, Tatiana “España. Historia del Arte”, Belyi Gorod (Белый город), 2003, pag.454.

[4] SOBREQUÉS I CALLICÓ, Jaume, Historia de Barcelona, Barcelona : Plaza & Janés, 2008. pag. 95-96. 
[5] Íbid, Ildefons Cerdà (1815-1876), político, ingeniero y visionario del urbanismo moderno. 
[6] Íbid. 
[7] GARCÍA ESPUCHE, Albert. El Quadrat d’Or: centre de la Barcelona modernista: la formació d´un espai urbà privilegiat. <catàleg d'exposició> Olimpiada Cultural-Lunwerg, Barcelona, 1990.

“El mundo del artista Omar Abud”

Entrevista del día jueves 28 de marzo de 2013

Hola a todos!

Ahora mismo estoy con el artista mexicano Omar Abud cuya exposición actualmente se puede ver hasta el 18 de abril en la Galería de Arte Fernando Pinós en Barcelona.

- Hola Omar, encantada de verte.

- Hola, buenas tardes.

-La primera pregunta que me gustaría hacerte es sobre tu interés por el arte. ¿Cómo nació ese interés, esa inquietud por el arte y cómo iniciaste tu labor como artista?  

-Bueno, no fue tanto inquietud, sino creo que fue más bien por talento. Llevo dibujando y pintando desde que tenía 3 años. Es algo que desde entonces ha formado parte de mi vida. Mi padre guardó  bastantes dibujos de cuando tenía 3, 4 años e incluso se podía ver que no era el típico dibujo de un niño de esa edad. Cuando dibujaba a mi familia, a mi padre, a mi madre, a mis tios, ya podías ver que era cada uno de ellos, podías distinguirlos. Entonces mi familia ya sabía que tenía un talento y era algo que me gustaba.

-Y después fuiste desarrollando tus habilidades...

-Sí, dibujaba mucho los comics. Me encantaba dibujar cuando iba a la escuela. Apuntaba todo lo que decía el profesor, pero dibujando al mismo tiempo al profesor, a mis compañeros. Siempre estaba dibujando. Y luego, cuando cumplí 17 años tuve que decidir que estudiar, no estudié arte, porque pensé que era difícil ganarse la vida aunque sabía que lo iba a hacer al final, pero, decidí estudiar algo con una base que me pudiera dar de comer en ese momento. Entonces, estudié Animación por ordenador en Florida. Uno de mis profesores fue John Lasseter, el creador de Pixar.

Cuando yo estudié, mi escuela era la única que tenía esa carrera, que estaban empezando con animación por ordenador. La acabé, pero me faltaba algo; no podía estar detrás de un ordenador todo el tiempo, me faltaba ese contacto con la tela, con los pinceles, la pintura y bueno, luego fui a estudiar dos años Artes plásticas a Nueva York. Fue una tonteria, porque no me gustó nada. No iba con lo que a mi me gustaba que era lo clásico, o sea tener una base, saber dibujar, saber pintar y luego crear tu propio estilo, pero no fue una perdida de tiempo, porque cuando estuve en Nueva York visité muchos museos y cuando acabé los estudios y  regresé ya empecé con mi estilo, ya cogí lo del periódico, iba a las galerías, veía que mucha gente utilizaba el collage pegando el periódico, hojas de las páginas amarillas, de  revistas, utilizando como un elemento más de la pintura. Fue curioso, dibujaba encima del periódico y poco a poco, así empecé, con un poquito de periódico, cada vez poniendo más y más, hasta que hoy en día lo uso como soporte.

-Bueno, yo sé también que estudiaste en Florencia. ¿Qué te han aportado los estudios allí?

-Fue singular. porque estudié un verano allí, que era parte de mis estudios de Nueva York. Podía tomar un semestre en Italia y yo pensando que iba a tener profesores italianos, al final resultó que todos eran americanos y la gran decepción fue el profesor de dibujo. Se peleó conmigo, porque de vez en cuando los profesores se ponen celosos cuando ven que alguien pinta mejor que ellos. Bueno, me lo pasé bien. Como ya te dije, la mayoría de los profesores eran americanos, no aprendí mucho en la escuela, pero ya el hecho de estar en Italia, en Florencia me permitía conocer gente, a los artistas, caminar, visitar museos, ver obras de Miguel Ángel. Uno de los museos que me encantó tiene obras de Miguel Ángel que no están acabadas, que están a la mitad, son preciosas. Alquilé una moto, me iba por todos lados, dibujando paisajes, esculturas de Miguel Ángel, pinturas clasicas.Fui más autodidacta, que nada, pero me encantó mi estancia allí en Florencia, aunque la escuela, pues, no me aportó mucho, pero el simple hecho de estar en Florencia, mi gran admiración por los renacentistas me ayudó mucho.

-¿Y podrías mencionar algunos artistas que tuvieron influencia en tu obra?

-Bueno, de chiquito, te digo, los renacentistas, siempre me encantaron:Leonardo, Miguel Ángel,…sobre todo los dibujos, más que las pinturas. Me encantan los dibujos que hacían.

Y luego hay muchos artistas que aprecio mucho, mexicanos hay dos o tres. Uno que se llama Rafael Cauduro, contemporáneo; Roberto Cortazar que es un gran dibujante también. Y bueno, los muralistas mexicanos que me encantan, como Diego Rivera, Jose Clemente Orozco. Es una pintura no muy realista, pero potente. Admiro mucho sus obras.

Podría mencionarte muchos artistas mexicanos que me gustan, pero sobre todo me gusta lo figurativo, si es abstracto, tiene que ser un abstracto muy bueno, pero en general me gusta el arte figurativo, realista. Por ejemplo en el caso de Picasso, me gusta su época azúl y ya lo demás me gusta, pero no tanto. Pero, es el problema del arte hoy en día que los artistas como Matisse o Picasso son grandes artistas que cuando empezaron sabían dibujar, tenían una base y a lo largo del tiempo, en su evolución llegaron al cubismo en el caso de Picasso y al fauvismo en el de Matisse, pero actualmente los artistas pintan cualquier cosa y lo muestran como arte, pero para mi eso no es arte. El arte tiene que ser un proceso, los artistas tienen que tener una base, una escuela, saber dibujar para luego poder pintar y luego poco a poco vas abstrayendo para llegar a un estilo y crear un estilo, no puedes empezar desde el final y decir que eres un artista.

-Otra pregunta que me gustaría hacerte es sobre lo que te inspira a la hora de crear una obra de arte.

-Bueno, como todo hoy en día y sobre todo en la época en la que vivimos, aunque no lo creas, lo que realmente me inspira es cuando tengo un proyecto, cuando tengo una exposición, una feria que te motiva a producir.

Es importante comprender que es lo que entendemos por inspiración. Creo que la inspiración es más excusa para los artistas vagos, porque como dijo Picasso la inspiración te llega trabajando. Te llega en el procesos o no, pero tu sabes que tienes que terminar el cuadro, tienes que acabarlo. ¿Que me inspira? Pues de todo, mi entorno, otros artistas, exposiciones, son cositas que poco a poco te van inspirando, ves algo que te capta la atención, buscas caras, sobre todo caras de viejos, caras expreisvas, pero una vez que ya estás trabajando, lo que me inspira es ese momento, por ejemplo esa mujer vieja de cien años que tiene mucha expresión y empiezo a pintarla, a trabajar y ya sólo trabajo, estoy allí hasta que lo acabe, es un trabajo puro y duro. Hay días que vas a estár más inspirado, otros no tanto, pero al final hay que acabar el cuadro, ser constante, tener un horario y ser responsable.

-¿Hay alguna obra tuya favorita o alguna que podrías destacar de la presente exposición  en la Galería Fernando Pinós?

-Mis cuadros son como mis hijos, cada uno es una historia diferente. Cuando ahora ya los veo acabados me acuerdo de cómo los estaba haciendo, con cuál sufrí más, cuál se dejo pintar más rápido, porque hay cuadros que se dejan pintar, hay una fluidez y se dejan querer, se dejan pintar y los termino un poco más rápido que otros. Con otros en cambio tardo más. Generalmente trabajo con dos cuadros a la vez. Entonces, cuando uno me da problemas, no me deja pintar, lo castigo, lo pongo al lado y voy con el otro. Igual el otro se deja pintar y lo acabo hasta el final o a la mitad. En algunos casos tardo bastante con algunos cuadros, de dos semanas hasta un mes. Estar con un cuadro todos los días por más de una semana llega al cansancio, entonces prefiero cambiar de chip y pintar otro que también va bien para la mente, ver otra cosa y así te concentras mejor. Como lo mio es muy detallista y perfeccionista, me gusta no estar más de una semana en un cuadro, entonces voy alternando.

Me gustan mucho mis dibujos que tengo, porque hace mucho tiempo que llevo trabajando en ellos y creo que llegué a un realismo, a otro nivel de realismo que nunca había llegado con el periódico por mucho que trate hacerlo realista sigue siendo una pintura. Muchas veces la gente me pregunta: ¿dibujo?, ¿fotografía? Cuando me dicen que es una fotografiá me siento alagado, siento que es lo que quería al final trasmitir. El cuadro más grande que tengo es el que más problemas me dió, estuve trabajando más de un mes con el, pero al final me quedó muy bien y le gusta mucho a la gente.  

- ¿Qué cuadro es?

- Es un cuadro muy grande, que es como una chica de perfil.

- Pero, ¿tiene un nombre?

No, no me gusta nombrar mis cuadros.

-Pero, me he fijado que algunos cuadros tienen como números...

Sí, pongo por ejemplo figura 7.1, etc. para distinguir los cuadros. Hay cuadros con titulos, pero un titulo muy profundo no lo pongo, ¿para qué exagerar en algo? prefiero que hable más la obra en sí que yo de ella.

Uno de mis cuadros preferidos es “La Nana”, vivió con mi familia, cuidó a mis padres, a mis sobrinos, a todos, murió hace poco, llegó a vivir ciento y cuatro años. Tuve la fortuna de ir a México el último año que estuvo viva, le tome varias fotos y cada año he hecho un cuadro de ella.  He hecho tres o cuatro cuadros de La Nana y el último es el que más me gusta, es el que más detalles tiene y es uno de mis preferidos de la presente exposición en Barcelona.

 











  La Nana, figura 7. Acrílico, papel de periódico sobre lienzo.

 

-A mi también me llamó mucho la atención la técnica que utilizas, que es una técnica mixta de collage, pintura y dibujo. Podría explicar un poco la técnica que utilizas y qué relación tienen el collage, el papel de periódico qué utilizas como soporte con la pintura? ¿Qué relación tienen el texto del periódico con la imagen?

-Uso el periódico hoy en día porque es algo especial en el sentido de utilizarlo con el texto, porque cuando lees una frase del periódico como que recuerdas que tu estabas haciendo en ese mismo tiempo y entonces ya lo relacionas un poquito más con el cuadro.

Y luego la pintura y el dibujo es algo que me encanta. Pienso que el dibujo es más difícil que la pintura y muchas veces no lo valoran tanto. Si tu ves un dibujo y un cuadro del mismo tamaño, normalmente la pintura se valorará más.

Entonces, lo que yo trato es presentar  una imagen a través del dibujo y después pongo un poco de color en el fondo, pero siempre respetando al dibujo y a la pintura, que se puedan llevar los dos en unión, al unísono. Siempre respetando y que se vea el dibujo, que para mi es algo importante. Soy pintor obviamente, pero me considero más dibujante. Disfruto más dibujar que pintar. El dibujo es  algo que se me da tan natural, me siento más comodo dibujando, que pintando.

-Y hablando sobre el uso del papel periodístico me acuerdo que en una ocasión me dijiste que a veces utilizabas el periódico del país de la procedencia de aquella persona a la que dibujabas que me pareció bastante interesante. 

-Sí, lo hice el año pasado y lo quise hacer relacionando la modelo con su país. Entonces, una de ellas era de Kazajstan y empleé el periódico ruso. Otra era alemana, obviamente utilicé el periódico de Alemania. Y así hice unos cuantos cuadros con esta relación de modelo y periódico del país de procedencia. No lo hago siempre, me gusta experimentar con diferentes tipos de periódicos, a veces es difícil encontrarlo. Me gustó hacer un par de cuadros con el periódico de China y de Japón, muy diferente, muy exotico. Es algo que seguiré haciendo a lo largo de mi trabajo. Me gusta mucho viajar, entonces seguiré experimentando con diferentes periódicos de distintos lugares.

-Y seguirás trabajando con la misma técnica, no?

-Sí, siempre evolucionando obviamente, siempre probando algo nuevo, tratando de mejorar a la hora de realizar un cuadro. Siempre quiero hacerlo mejor y mejor. Siempre hay que tener una meta, tratar nuevas cosas, ir superándote.

Cuando estoy trabajando para una exposición o para un proyecto en medio de los cuadros se me ocurre algo y trato de experimentar. Muchas veces no sale, pero deprimirme, enojarme no me sirve de nada. Así que experimento mucho, soy más autodidacta, trato de leer, compro libros de técnicas, escucho consejos de otros artistas y siempre trato de conocer cosas nuevas y sobre todo experimentar.

-Y por último, qué ideas o planes tienes para tu futuro, para tu futuro creativo?

-No sé, la verdad es que nunca me ha gustado ponerme metas a largo plazo, porque mejor poner metas cortas y cumplirlas para avanzar. Para mi lo importante es trabajar día a día.

Ahora estoy preparandome para la exposición de Mónaco, otra exposición la tendré en Alemania y por ahora son mis metas. Primero hacer la exposición en Mónaco, después prepararme para la exposición de octubre en Alemania. Como soy artista, no hay nada en concreto, voy haciendo cosas, conociendo a gente, cada mes se me están abriendo más puertas. Hoy en día ya no soy un desconocido, tengo la posibilidad de escoger los proyectos que yo quiero. Es muy gratificante estar donde estoy y siempre tratando de ir adelante. Entonces, a ver que sale? Ya veremos.

-Muchísimas gracias por tu atención y tiempo

- De nada.

- Realmente ha sido muy interesante poder tener una conversación contigo y espero que no sea la última.

Descubre el Museo del Modernismo Catalán!

Entre la gran cantidad de museos, galerías de arte y otras instituciones culturales interesantes que hay en Barcelona, se pueden descubrir unos museos quizás no tan conocidos, pero sin duda importantes para la ciudad. Uno de estos museos es el Museo del Modernismo Catalán, ubicado en el centro de la ciudad condal en el barrio de Eixample, en un edificio construido entre 1902 y 1904 por el arquitecto modernista Enric Sagnier para la familia Bertrand.

Este museo me llamó mucho la atención y me pareció muy peculiar, porque aquí tenemos la posibilidad de disfrutar de las bellas obras del modernismo catalán que se exponen y que pertenecen a la colección privada de Fernando Pinós y María Guirao, representada en diferentes disciplinas como mobiliario, pintura, escultura, artes decorativas. Este museo está dedicado al movimiento artístico llamado moderinismo catalán que se diferencia del resto de los de países donde se desarrolló el movimiento del modernismo.

Aquí podemos observar y contemplar unas magníficas obras repartidas en dos plantas. En la planta superior está el mobiliario con piezas hechas no solamente por el artista mundialmente conocido como Antonio Gaudí, sino por otros artistas también importantes como Gaspar Homar, Joan Busquets, entre otros. La planta inferior está dedicada a la pintura y escultura con obras de los artistas Hermen Anglada i Camarasa, Gaspar Camps i Junyet, Ramon Casas, Joaquim Mir, Santiago Rusiñol y escultores Eusebi Arnau, Miquel Blay, Enric Clarasó, Lamber Escaler y Josep Llimona. También hay unas preciosas vidrieras de los hermanos Maumejean y un fascinante vidrio emplomado de Joaquim Mir.

Gracias al esfuerzo de la familia Fernando-Guirao, que ha conseguido abrir un museo privado dedicado al Modernismo Catalán, podemos ver esta interesante y bella colección que está a su alcance.

 Museo del Modernismo Catalán http://mmcat.cat/site/